曾静萍
第二批国家级非物质文化遗产代表性传承人
国家一级演员
福建省梨园戏传承中心原主任/团长
“替补”少女的梨园之路
曾静萍与戏剧的缘分，或许从出生就已注定。她的父母都是话剧演员，也是福建省第一批电影艺术演员，还在襁褓中时，她就被抱到戏台边，听着台上的念白声、鼓掌声长大。五六岁时，剧团需要小演员，她便被父母领着上了台，客串些无关紧要的小角色。那个年代，样板戏盛行，她跟着父母从一个演出点奔波到另一个演出点，在幼儿园、小学、中学的“宣传队”里唱歌跳舞，从未离开过舞台的边缘。
然而，戏剧演员的生活太苦了，父母深知其中滋味，不希望女儿继续如此。12岁那年，北京舞蹈学院来招生，曾静萍想去，父母坚决反对，她只好作罢。但对艺术的热爱像一颗种子，埋在心里，迟早要破土发芽。
1977年，高考刚刚恢复，福建省艺术学校梨园班来招生，14岁的曾静萍听说是唱歌跳舞的，心动了。她瞒着父母偷偷报了名，也没搞清楚梨园戏究竟是什么。造化弄人的是，她最终误以为是声带原因的问题落选了，她本以为就此错过机会，不料一个月后，有个录取的学员没来报到，她作为替补，意外获得了入学资格。
这个“替补”的身份，似乎成了她早年艺术生涯的某种隐喻。在艺校的5年里，老师们始终无法把她定位到某个明确的行当，她的外形条件让人捉摸不定，嗓音又因变声期显得粗哑，不是最出挑的那个。于是，生角、旦角、丑角，她都学，别的同学有明确的培养方向，她却像个“杂牌生”，什么都演一点，什么都差一点。但塞翁失马，焉知非福，正是这段不被看好的岁月，让她有机会接触梨园戏的各个行当，在每种角色类型里都磨炼一番，日后演起戏来，反倒戏路宽广，得心应手。
1982年，曾静萍毕业进入福建省梨园戏实验剧团，又过了两三年，团里的领导才正式把她定为二格旦。只不过定了行当，不代表一帆风顺，1983年，福建省首届青年演员比赛，曾静萍满怀信心参赛，却只拿了铜奖，看着从前的同学捧回金奖银奖，她心里不是滋味。这次挫败像一记重锤，敲醒了她：光有热情不够，还得真正下苦功。
此后的曾静萍像换了一个人。剧团重排梨园经典《朱文》时，她饰演“一粒金”。为了这个角色，她反复揣摩人物心理，把导演给的启发化成自己的动作，让动作和心理达到高度统一，当她后来站上福建省首届“水仙花”演员奖评选的舞台，评委们全票通过，将唯一的最佳女演员奖颁给了她。
到了1988年，首届中国戏剧节在北京举行。曾静萍凭借新编梨园戏《节妇吟》中的寡妇颜氏一角，摘得中国戏剧表演艺术最高奖——“梅花奖”。她深入体察颜氏矛盾复杂的心理状态，把人物的情感层次表现得惟妙惟肖，征服了在场的专家和观众。这是“梅花奖”开评六年来，福建演员第一次获此殊荣，那一年，她才25岁。
从“替补”学员到福建首位“梅花奖”得主，曾静萍用了11年。此后的岁月里，她塑造了一个又一个经典角色：《陈三五娘》里端庄深情的黄五娘，《苏秦》里的苏秦之妻，《蔡文姬》里命运多舛的才女……每一部戏都是一个脚印，见证着她在艺术上的攀登与超越。2007年，她凭借在《董生与李氏》中饰演的李氏一角，再度“折梅”，成为福建至今唯一的“二度梅”得主。有人问她成功的秘诀，她说得很朴实：“获过的奖只代表过去，一旦不努力，技艺就会下滑。”
曾静萍在梨园戏作品《朱买臣·逼写》中饰演赵小娘。
独特性是最大的价值
“梨园戏之所以被称为活化石，在于它保存了大量宋元南戏的剧目、唱腔和表演规制。”在曾静萍看来，这个剧种最珍贵的地方，恰恰是它的“不一样”。
梨园戏有三个流派：上路老戏、下南老戏和小梨园七子班。与其他剧种不同，这三个流派不是以演员的表演风格划分的，而是以剧目和戏班来区分。小梨园的演员年纪较小，表演规范严谨，有一整套非常精细的程式：进三步退三步，手势、身段、运腔，都有严格的规定，不大主张演员自由发挥。而上路和下南的演员往往年龄渐长，在传统剧目的积累和舞台实践中，慢慢发展出各自的表演风格，更加接地气，也更见个人特质。
1953年福建省梨园戏实验剧团成立后，三个流派被统一收编到这个团里。此后，每一代梨园戏演员都要在三种流派的剧目中摸爬滚打，才能真正领悟这个剧种的精髓。曾静萍坦言，领悟非一朝一夕之功，随着年纪的增长、传统剧目的积累和不断地思考，才能慢慢嗅出不同流派的味道。“有的演员在剧团待了一辈子，也很难明晰地呈现出三个流派各自的韵味。那是一种需要时间沉淀、需要悟性参透的东西，只能慢慢品出来，不能简单地教出来。”
正因如此，曾静萍对创新二字格外谨慎。她认为，真正的创新不是刻意求新，而是在充分理解和娴熟掌握剧种本体之后，自然流露出来的时代气息。她觉得，每一代人的气质都带着时代的烙印，毕竟空气不一样了，土壤不一样了，人的教育背景不一样了，用当代人的生命体验去诠释几百年前的戏，本身就是一种潜移默化的创新。这种创新是最踏实的，也是最属于剧种本身的。
但如果创新失了根，那就危险了。她见过太多例子：一些剧种在跨界融合、借鉴各种手段的过程中，把自己的独特性弄丢了，同化于其他剧种之中。她的态度很明确：“如果你跟什么都一样，观众为什么要跑到泉州来看梨园戏？他在自己家门口就能看到差不多的东西。独特性，才是梨园戏最大的价值。物以稀为贵，那些追着梨园戏跑的戏迷，追的不是某一个演员，而是这个剧种本身的稀有与纯粹。”
这份对本真的坚守，也体现在梨园戏的国际传播中。2003年，《董生与李氏》开始全国巡演，并多次出访海外。2013年，法国MC93国家剧院的艺术总监索梅尔来中国选节目，在没有布景、只有服装的简陋条件下看完梨园戏后，激动地赞叹道：“这是我五十年来看过的最伟大的作品！”剧组受邀赴法国、希腊连演12场，反响热烈。此后，梨园戏与法国艺术基金签下五年合作协议，《董生与李氏》《节妇吟》《大闷》等剧目在欧洲巡演，甚至被改编成法语话剧重新演绎。
曾静萍曾与外国二十几个国家合作《环球灵魂》时，外国艺术界请她留下，但她从未动摇过。在她看来，梨园戏属于泉州，一旦离开，这个剧种的根就没了。她自己亦如是——她的艺术生命，始终与这片闽南的土地血脉相连。
把心留下让戏传下去
1999年，曾静萍接任福建省梨园戏实验剧团团长，彼时正值戏曲式微的年代，剧团生存艰难，种种诱惑也纷至沓来。她顶住压力，将抢救、传承、发展梨园戏作为自己的使命。
“恢复百出传统折子戏”，是剧团从上世纪五六十年代就开始的长期保护计划。曾静萍接任后，这项工作从未中断。她组织团里的演职员整理、上演《陈三》《刘智远》《王十朋》《苏英》等传统剧目，还亲自向80多岁的老艺人学习濒临失传的《大闷》《小闷》等折子戏。这些剧目在泉州做展示性演出后，又赴台湾、香港等地巡演，引发戏曲界一阵轰动。
2008年，剧团搬进了新落成的梨园古典剧院。泉州人几十年来看戏几乎不买票，曾静萍却坚持售票演出。第一场，台下只有19个观众，舞台上的演员比观众还多，她咬着牙，一张票也不送，每人50块钱，就这么开始了。那段日子很难熬，有人不理解，有人观望，有人冷嘲热讽，但她没有放弃，一场一场演下去，一年一年坚持下来，观众慢慢多了。到如今，剧团已有上千名会员，每年的元宵、五一、国庆都有演出季，“周周有戏”成为常态。来自全国各地乃至海外的戏迷会专程飞到泉州，只为看一场原汁原味的梨园戏。这种追戏的现象，在她看来，正是梨园戏独特性的最好证明。
但传承的担子，终究要交到年轻人手上。曾静萍坦言，这是最让她操心的事：“剧团里的90后、00后演员，基本条件都很好，个子高，模样俊，也聪明。但网络时代的浮躁气息，让他们很难静下心来。”她有时会感到无奈，这些年轻人在舞台上看得过去，可距离剧种应有的厚度，还差得很远。
说教没用，她深谙此道，这一代年轻人不吃这一套，他们甚至觉得说教是一件滑稽的事。那怎么办？只能“熏”。她在退休之前为自己立下一个宗旨：把会的戏全部传下去。而且不只传给一个人，而是传给“一片”，让更多年轻演员都学会，将来谁能挑起大梁，就看各人的造化。同时，她以身作则，62岁了仍然站在舞台上演出，让年轻人看到什么是真正的专注、什么是对艺术的敬畏。
她觉得，培养年轻人，最重要的是先把他们的心留下来，如果他们对梨园戏没有感情，再怎么努力都是事倍功半。要让他们在日常的相处中被熏陶，在一出又一出的戏里被感化，慢慢感受到闽南人对古老事物的表达方式是如此内秀、如此有韵味，这个剧种和这方土地的观众是如此息息相关，只有这样，传承才能真正落到实处。
她还支持梨园戏青年主创创建“尚好听”乐队，用时尚的方式诠释梨园戏的曲调，在各种沉浸式演出、研学活动、晚会秀场中亮相。曾静萍起初有些忐忑，本真的东西，是不应该随便剥离的，但在尝试的过程中，她发现，只要把根留住，加一些新元素进去，年轻观众反而更愿意走进剧场，去看一场完整的梨园戏。
2019年，曾静萍工作室在福建省梨园戏传承中心挂牌成立。此后，她频繁参与两岸戏曲交流、南戏展演、戏剧孵化等活动，为青年艺术家搭建成长平台。2026年元旦，梨园戏经典剧目《董生与李氏》青春版上演，两位年轻主演在她和龚万里等老师的悉心指导下，将古典韵味与青春气息融合得恰到好处。演出那晚，曾静萍没有坐在观众席，而是守在剧场的灯光控台处，一边看戏，一边用微信语音低声记录着每一个细节：一句唱腔的气口、一个转身的幅度、整场戏的呼吸节奏。她细细叮咛，像一位母亲在灯下为孩子整理衣襟。
2026年1月16日，梨园戏经典《董生与李氏》传承版时隔20年再度登上北京长安大戏院，这也是该剧第8次晋京展演。这部由王仁杰编著、斩获多项国家级大奖且享誉国际的梨园戏巅峰之作，此次由曾静萍与龚万里等艺术家亲授指导，青年演员领衔主演，凝聚了历代主创数十年的打磨心血。演出既尽显梨园戏程式表演精粹，又借青年一代的演绎焕发新生，现场座无虚席，乡贤、媒体人与戏迷纷纷盛赞，而曾静萍在传承中的引领作用，更让这部“常演常新”的经典，成为梨园戏“返本开新”与薪火相传的生动注脚。
将近五十年了。从那个瞒着父母去考艺校的少女，到如今站在幕后默默守望的传承人，曾静萍把一生都交给了梨园戏。她常说，不需要让所有人都喜欢这个剧种，但一定要让喜欢它的人，看到它最本真的样子。风筝可以飞得很高，但那根线，永远不能断。
技艺宝典
1.严守梨园戏“十八科母”程式规范，一招一式皆有章法，同时赋予角色性格化理解，让古雅程式承载鲜活情感。
2.善用气息把控唱腔，咬字清晰、韵味悠长，以矜持含蓄的泉腔传递人物心境，婉转中见层次。
3.精于细腻刻画，无实物表演如“寒窑煮糜”般惟妙惟肖，凭微表情、指尖颤动传递人世温情与角色张力。
4.坚守剧种传统审美与古本价值，拒绝迎合市场，同时以现代视角活化传统，让新编戏扎根梨园戏本体特色。
5.深入角色内心，哪怕是“赵小娘”类复杂形象，也能通过真挚演绎打破标签化，让观众共情人物命运。
古南戏活化石
国家级非遗泉州梨园戏速览
梨园戏舞台样式。
在闽南语系的文化版图中，泉州梨园戏如一株历经八百年风雨的古木，扎根于宋元时期的刺桐港沃土，承载着南戏的原生基因，被誉为“古南戏活化石”。2006年5月20日，它经国务院批准列入第一批国家级非物质文化遗产名录，项目编号Ⅳ-2，由福建省梨园戏传承中心负责保护，其文脉绵延至今，成为解读中华古典戏曲的重要密码。
梨园戏的历史源头可追溯到唐五代泉州的歌舞百戏，正式形成于宋元时期，与浙江南戏并称为“闽浙之音”，共同构成南宋戏文唱念声腔的核心脉络。南宋绍熙年间，闽南地区已盛行“优戏”，朱熹弟子真德秀在泉州时颁布的“禁戏令”，反倒印证了其在民间的普及度。明清时期，梨园戏逐渐分化为三大流派：小梨园（七子班）为童伶戏班，大梨园则分为“上路”与“下南”两支，三者各有“十八棚头”保留剧目，形成独特的传承体系。
作为海洋文明与农耕文化交融的产物，梨园戏的流播范围远超泉州本土，覆盖漳州、厦门、广东潮汕及港澳台地区，更随着闽南华侨的足迹远播东南亚，成为联结海内外乡亲的文化纽带。其剧目库中保存了25种南戏剧本，包括《朱文》《刘文龙》《蔡伯喈》等宋元遗篇，其中《朱文太平钱》更是海内外孤本，为研究南戏演化提供了活态文献。
梨园戏的艺术魅力，藏在一套严谨规范的程式体系中。表演上，“十八步科母”是所有行当的动作根基，从“举手到目眉，分手到肚脐”的戏诀，到垂手行、按心行、拱手等细分动作，涵盖情绪表达与舞台调度，其细腻手姿与敦煌壁画人物手态一脉相承，尽显古雅韵味。角色行当以生、旦、贴、丑为核心，大梨园“上路班”则增净角，“下南班”侧重净丑表演，分工精细却不失灵动。
音乐唱腔是梨园戏的灵魂所在，源于晋唐古乐，以泉州方言演唱，一字多腔，属曲牌体，现存250余种曲牌，至今沿用《摩诃兜勒》《霓裳羽衣曲》等古曲牌名。伴奏乐器堪称“唐宋乐器博物馆”：南琶横弹，形制仿唐；上弦为晋代奚琴遗制；洞箫即唐之尺八；而被称为“万军主帅”的压脚鼓，以脚控音的独特打法，能敲出四十九种鼓点，主导整场演出的节奏，为全国剧种所独有。
传统演出场地“棚”与仪式也保留古制：棚后仅设长条椅，迥异于常见的“一桌二椅”；演出前必行“献棚”仪式，供奉戏祖师田都元帅，再扮角跳加官，南宋杂剧《眼药酸》的“竹杯”砌末，至今仍在净丑行当表演中使用，尽显历史延续性。
《陈三五娘》是梨园戏最具代表性的剧目，改编自闽南民间传说，讲述书生陈三与黄五娘冲破礼教束缚的爱情故事，其“投荔传情”“卖身为奴”等情节，既藏着泉州人的敢拼会赢精神，也成为闽南文化的重要符号。这一传说于2014年入选国家级非遗，如今已发展出多种演绎形式，实景版《陈三五娘》融合花灯、掌中木偶等非遗技艺，让观众沉浸式体验“睇灯”“投荔”名场面，实现古戏新演。
梨园戏的传承曾历经波折，清末因高甲戏、歌仔戏兴起而濒临消亡。新中国成立后，政府集结散佚艺人成立剧团，抢救整理《陈三五娘》《朱文太平钱》等剧目，其中《节妇吟》获首届中国戏剧节优秀演出奖，演员曾静萍斩获福建首个全国戏剧梅花奖。一代代传承人如许天相、曾静萍等，以口传心授延续技艺，同时推动梨园戏走出国门，在日本、意大利等国展演，让古南戏声腔惊艳世界。
如今，梨园戏通过进校园、数字化保护、创新剧目等方式焕发新生。它不仅是一座无形的综合艺术宝库，保存着宋元戏剧的活态资料，更承载着闽南地域文化的精神内核。当压脚鼓鼓点再起，泉腔婉转流淌，这株八百年古木正以愈发挺拔的姿态，在新时代的文化土壤中续写弦歌。
